有人给《你们见到的还不算什么》这部电影起了一个在我看来更为贴切的名字:《你们就算看完了也等于没看》。
确实,尽管影片的开头(铃声依次响起,十好几个接听电话的男男女女,被告知前往某地,听取“某人”的遗嘱……)非常引人入胜,但真要耐心看完这部“多人分饰同角,戏中戏中戏”的“舞台剧”电影,如果你对希腊神话中“俄狄浦斯和欧律狄刻”的爱情悲剧毫无了解的话,就必然会出现“新片名”预言的结局。
显然,电影导演不会简单地“重复”这则故事(图二),毕竟那是神的传说,虽唯美,但也太过单调。而我们人类的感情世界/爱情生活可是要复杂得多的多的多。
于是,如何解读俄狄浦斯最后那导致两人阴阳永隔的“回头”这一行为的内在动机,成了各路艺术家(比如画家)发挥各自想象力和表现力的舞台:
他是故意的?他是无意的?他想确认身后是不是自己的妻子?他对未来两人的感情没有把握?他不肯原谅对方那些不堪回首的过往……
有兴趣——并且有耐心,就来看看这位90高龄的名导为观众朋友提供的解读吧!
顺带说一句,除这部,女同电影《燃烧女子的肖像》也有涉及同样的话题。
红头发的萨宾还是那么神经质,而eurydic恰好是这么一个神经质的女孩,无论让50岁,30岁,20岁的女人来表现,eurydic都是同一个。这时不能不佩服编剧对这样一个熟悉的神话故事的改写。让俄耳浦斯的竖琴变成了小提琴,妻子变成昨天才爱上的女孩并且为了躲避旧情人而死。最后是俄耳浦斯忍耐不住嫉妒的煎熬转身,宁愿要自己幻想中纯洁的但已经是死去的eurydic也不要一个活过来但带着很多过去的eurydic。
电影一开始一群老友不断地接到电话,初次接触的观众可能担心如此众多的演员是否会混淆;但是随着剧情的推进,哪怕又加上了1/2的演员(高隆巴剧团),大家都能把他们和eurydic里的角色一一对应,这不能不说是连续三遍重复情节的功劳。
可以看到,演出同一个场景的演员变了,场地布置变了,表演方式变了,含义丰富的道具变了,但是台词还是同一句台词,不管用怎样的速度和语调朗读。这样就能让我们抛开角色的皮相,穿越不同的时间,来观看一场恒亘的戏剧。男人和女人的相遇,谎言和真实,逃避和面对,愧疚和忏悔,当然还有对死亡的看法和实践。
三套班子都很有特点,新生代的最自然;中生代的最养眼但属于最克制的;年纪最大的一组反而最有激情。整场戏的布景也很有看头。在一个酷似剧场的客厅里看新生代的表演录像,然后老演员们不断地在内心跟进重排,而布景随着演员年龄层次的更替,也带着鲜明的时代感。
结尾安东尼的投水正是之前在台词中描述的那种下定决心的自杀方式。但对剧中人物的唏嘘及不上字幕出来时,扮演者xxx lui/elle meme的带来的感喟。阿伦雷乃已经90多了,这部应该是收山之作。而老搭档们垂垂老矣。把电影里的戏剧感发挥到如此之纯正的时代一去不返了,既没有了执着的导演也没有了优秀的话剧演员。
这是九十多岁高龄的导演阿伦•雷乃拍出的电影,它进入了戛纳电影节主竞赛单元,展映时获得了广泛的好评,却也可以算是颗粒无收。对这部电影的评价普遍不高,大多是因为人们一见导演大名便开始撇嘴,厉害一点儿的便开始讨论结构、倒腾影史,希望从这些老东西里寻出解读电影的蛛丝马迹。戏、戏中戏、戏中戏中戏,各种解释就这样解释着,但就是解释不到影片本身,想来不仅是缘木求鱼,也是逼界一大奇观了。其实人们往往对大师没什么耐心,不关心大师在叙述一件什么样的事情,人们只关心一个能创新的大师这回是否又创新了,一个懂色彩的大师这回是否更绚烂了,于是大师就真真被遗忘了。
电影的确与众不同。之前谈论起电影总是喜欢从故事入手,而这次不得不从它的结构入手,因为如果要摈弃结构,对于本片的理解可能就会仅仅停留在表面上。想要搞清楚本片到底说了一件(或者是几件)什么事情,就必须搞清楚它是如何讲述整个故事的。不过需要说明的是,对于结构的阐释应该为剧情服务,如果把结构抽离出来,用结构的眼光把这部电影简单化,甚至是把导演和编剧的构思和意图简单化,那就是本末倒置了。
影片主体的故事就是俄耳甫斯的爱情悲剧。无论是本作中的《欧律狄刻》,还是诸如《奥尔菲》等改编,故事被一遍遍翻新、一遍遍解构,又被一遍遍搬上舞台,只要演员还在,永远还是那么扣人心弦:俄耳甫斯与欧律狄刻一见钟情,但却两次见到其情人,欧律狄刻痛苦离去,却在途中遭遇车祸意外死亡。俄耳甫斯痛心疾首,与旁观者死神达成协定将其救出,条件是天亮之前不能面对面见到欧律狄刻。然而在等待天亮时,俄耳甫斯不能忍受内心对欧律狄刻不忠的怀疑的煎熬,回过头去,导致欧律狄刻永赴地狱。在临走之前,欧律狄刻说出了事情的真相:为了不让自己剧团可怜的老头被赶走,她不得不和团长成为情人。然而为时已晚,俄耳甫斯只能遗恨终生。旁观者再次出现,力劝俄耳甫斯赴死。为了再次见到欧律狄刻,俄耳甫斯选择了自杀。两人最终在城外的树林当中相见,再不分离。
电影当中表演这一出剧目的共有三组主演,依年龄来看是老中青三代。年龄最老的一组主演了几乎全部内容,中年与青年两组贯穿始终,互为补充;另一方面,年轻一组又和老、中两组区别开来,形成了屏幕里和屏幕外两种截然不同的样式和层次。话剧一开场,便是年轻演员们在工厂当中推着汽油桶,拉着只有一根弦的“小提琴”。屋子仅仅用立着的门代替,一个巨大的钟摆在所有布景之间穿梭表明时间的流动。而在另外两组表演之中,演员们则在咖啡厅喝火车站当中行走。现实和虚幻的互相交替,极大地丰富了整出戏剧的厚度,我所说的厚度,既是时间上的概念,也是情感上的概念,因为无论是什么年龄,什么年代,在什么地方,说着什么样的语言,脸上有什么表情,表达或者不表达,爱都在心中。时间跨度拉开,表达方式多样化极大地丰富了“爱”的内涵,也就是我所说的厚度。
然而还没有这样了事。在片中,剧作家安托万去世,请求曾经在《欧律狄刻》当中扮演过角色的所有演员来到自己的别墅中执行他的遗嘱,也就是通过影像资料评价一个年轻剧团对这部作品的演绎。出人意料的是,在剧团排练录像放映完后,安托万走出侧门告诉大家,将大家聚在一起是想证明各位是否仍然还爱着他。作家和演员终于相拥在一起,故事本可以圆满收场,但却还没有结束。当天,安托万投河自尽。
这个故事看上去似乎简单甚至有点儿荒诞,好像仅仅是一层外壳将《欧律狄刻》包裹起来形成了戏中戏,但其实却比这复杂许多。在影片开头,安托万的管家提到剧作家安托万如果热爱某个地方,他就会在那里买一座房子。不久,他又提到安托万爱上了比他小二十五岁的姑娘。在姑娘离他而去之后,他再也不为她们买房子,并且精神状况从此大不如前。由此可见,买房其实并不是安托万平日的一种癖好,他是为曾经的情人们买房,最后所有这些房子都变成了他或成功或失败的爱情的见证。《欧律狄刻》第一任女主演第一个到达安托万的居所;在管家向她叙述了安托万最后的日子之后,女主演意味深长地对管家说,安托万唯一值得相信的地方就是他的品味。我想这句话除了对安托万作为剧作家所特有的戏剧性特质的描述之外,恐怕对他的个人生活也有一定的暗示。在影片结尾我们发现,《欧律狄刻》的第三任女主角驱车前来吊唁安托万,而她事实上也正是离安托万而去的那个女人。由此看来,安托万把所有人召集过来评价年轻剧团的表演、希望再次上演《欧律狄刻》,直到最后跳河而亡,其实都是因情所致。安托万作为《欧律狄刻》的写作者,很大程度上是将自己拆分成了其中的所有角色,然后用自己真实的生活一一加以诠释。他会像俄耳甫斯似的将众人招来,希望以此来检验大家是否还爱他,证明自己怀疑的多余;他也会化身自己生活中的欧律狄刻,拥有众多情人却只有一个真爱;他是剧中的死神,窥探着周围所发生的一切,预知结果并引人投向死亡;他甚至也是剧中欧律狄刻的情人马蒂亚斯,为了自己心爱的人的离开而卧轨自杀——当然,他选择了没有痛苦的那种方式。宝刀喂血,他用自己的生命成全了《欧律狄刻》,解释了自己想要表达的所有思想。
大结构套着小结构,小结构当中又存在着诸多层次,这些看起来无比繁复的结构紧紧咬合起来,在阿伦•雷乃的镜头之下变得无比感人。结构主义对本片的解读数不胜数,但实际上我们还是会不可救药地沉浸在《欧律狄刻》凄美的故事当中。我想这也就是这部电影的魅力所在。
好戏到此为止了吗?可能确实已经完了,但我又隐约觉得它并未结束。如果老演员会被小演员感动,安托万会成为所有演员的俄耳甫斯,那么这部电影的导演和编剧、九十一岁的阿伦又处在什么样的位置上呢?
所以我宁愿相信你们见到的还不算什么,好戏还在后面。欧律狄刻和俄耳甫斯终于在树林相见,并且永远不分开,天上群星闪烁,影片戛然而止,片尾响起音乐——
When I was seventeen…
一句唱罢,泪流满面。那年我十七岁,这里藏着阿伦多少岁月,多少爱,多少辛酸?九十一岁的阿伦•雷乃在这部电影中用上了自己一辈子所积攒下来的御用演员,这些演员见证着这个导演的成长,这个导演的成功,到现在,他们或许也见证着这个导演的衰老,这个导演的存在。记得去年展映时节,阿伦颤颤巍巍地步入戛纳电影节,颤颤巍巍地答记者问,颤颤巍巍地离开会场,看着一旁座无虚席的知名导演的新片发布会,而这边自己堂下的记者却寥寥无几。
It was a very good year.
潮流确实已经远去了,但我还是相信酒是越老越醇,越醇越香。但如果有一天,老酒也要尽了,如果有一天,那个巨大的钟摆又被死神握在手中,那些美好虚幻的印象在脑中逐渐消亡,除了远在天边的敬重和钦佩,这位老者还会得到在这世上应得的爱恋吗?到此为止,《欧律狄刻》算是真正结束,然而我希望好戏永远不要停止,希望它们还在后面。
8.0/10。乃爷对电影本质的探索无可匹敌,强而有力的形式感将叙事上的沉闷节气一扫而空!希腊式悲情、分屏、多重戏中戏,现实与剧作中的百感交集,影像回恋过去,文学电影的最高极限大概不过如此。
这玩意儿比《去年在马里昂巴德》妥协多了,所以看着也舒服很多。不过还是老雷乃一贯的内容和风格,印象和现实交织在一起,严格意义上讲不能叫做戏中戏吧(你要非得说,那也是戏中戏中戏中戏)。爆点总在最后五分钟,我想这就是雷乃为自己画出的场景。P.S.评分都不上7.0呢…我能说看懂雷乃真的很高兴么
形式即内容,戏剧的魅力通过电影毫无违和感地得以彰显。雷乃宝刀不老,秒杀神圣车行。可惜收尾收的太怂了。4星半。
神神叨叨,就一绿茶婊的故事。
21世纪的作品仍延续去年在马里昂巴德、穆丽爱和广岛之恋的创作,戏剧十足的开场,戏中人点评戏中戏,分屏,运用各式极端的创作元素。耄耋之年的雷奈再继续为电影理论丰富灵感,这算是一种轮回吗?
84/100 明确的电影本体,借由希腊神话戏剧文本,创造戏剧-电影、银幕-观众、导演-演员、演员-角色等多层关系,有开场有谢幕,有上世纪电影对演员/角色spotlighting的方式,也有各种分屏的形式和数字电影时代的大量特效,除了舞台内的空间在跳转,似乎时间也是开放的,仿佛浓缩了一段电影发展的历史,谢幕之后电影仍未完全封闭,电影仍在向前发展,正如“你们见到的还不算什么”,这次呈现给观众的依然是雷乃式的时、空迷宫。墙,只是最不重要的罢了。电影仍然保持着下一次的排演、复现或变奏,就像那个不会停止规律摆动的钟摆,也是以一定的能量维持着生命,这个生命是电影的,也是电影人的,只要它还在动,生命就依然可能在以某种方式被维持着。#2014/04/27 #2021/05/20
将俄耳甫斯的希腊神话改编到如此中产阶级琼瑶剧的形式也真不容易,好在现代戏剧戏中戏的形式还算可爱,多少也唤起了近些年来一些戏剧体验的回忆。只有平庸无趣才能获得幸福美满的爱情,这种害人不浅的文艺调调还能继续唱多少年呢?
爱把我们禁锢在组成时间的最小单位之中,涟漪不是爱的痕迹,死亡里没有爱
形式主义极致。分屏推进,调皮双子座导演的操作。荧幕内外三代演员同构一出与时俱变的古典戏,打破舞台剧维度,角色在虚实真假(想象)的场景布局间穿梭游离。死亡两次反转,叙事中光阴的逝去,仿若步步阐述对艺术生命无止境的追求。好戏还在后头。
#这都没拿最佳导演#用极强的形式感指涉了很多电影文化,比如先设置银幕又取消银幕来展现观看行为的主客体关系和电影与现实的关系,沿用《马里昂巴德》中杂耍式的超时空对接来探讨电影构建时空的可能及对逝去时代的怀恋;主题上则任然延续了在过去与现在的时间维度上表现爱与死亡。
演员之魂。这一作也满是遗作感,雷乃自己有心要这么拍吧。
后头也没什么好戏。
又见雷乃神作。如果这是他的最后一部电影也不意外……总觉着老爷子有交代后事的意思。影片打通舞台时空和电影时空,并在“表演”这一元素上做了颇为先锋的解构。本片简直是六十年代那些最牛逼的艺术片的重现。2013个人十佳(或许是第一?)#第三届北京国际电影节#有望展映。#2013个人十佳#
雷乃的电影总爱跟回忆缠在一起。这片对大的魅力还是形式,在结构上的花样,不同的人演绎相同的情节。代入感处理的很好,从一开始的银幕拓展到观影室,再走出房间更多的布景,层层推进,接受起来也更好。分屏用的也很有趣,尤其是最后的四屏,让回忆与现实交织。演员更迭,戏剧的魅力却是永存的
还是很迷人,有如雷乃以往的片子。2012年法语电影真是大年啊,我的十佳前四大概都是法语电影,而且无论这部还是欧容和卡拉克斯,在结构上都玩出了花样,也不约而同都是戏中戏,nice.
D+/ 给出了一种用角色及其程式(不同的姿势、声音在叙述之流中的相互扰动)来定义“人物”的方法(这难道是近乎戏曲了吗?)。但没有觉得完成度特别好。
#HKIFF# 阿伦·雷乃重述经典,其实是由经典讲述自身被演绎的、重复曝光般的叠加记忆。布景极简,舞台剧式的,电影的跌宕全部交由这一大堆法国实力派演员来控制。
英语字幕影响我理解,但是有趣的是代入感,不知道带入的是片中导演的那个角色还是导演本身,有点意思
戏剧的魅力,感情充沛的要溢出银幕了。“我们第一天的回忆永远有这个讨厌的人”,90岁的雷乃谈死亡才能重逢。#法国大师展@宛平剧院
对生死的淡然和向永恒的致敬。这样一部透着浓重轮回气息的作品出自一位九十岁导演之手好是让人感慨……